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你是如何评价华晨宇的？

他的,音乐,花花你是如何评价华晨宇的？

发布时间：2019-02-08加入收藏来源：互联网点击：

朴树是例外。凡事都有例外。并不妨碍常理。常理是，术业有专攻。华晨宇很拎得清。

五

我记得他曾经批评过华语音乐只重歌词不重旋律的习气。确然。这就是他对于音乐的专业态度。更别说在我看来，大多歌词都极其一般。如只是这样的水准，真的未足以称是重歌词。一首歌曲里，歌词与旋律的关系，我是这样理解的：

歌词是凝住旋律的琥珀。

旋律有羽翼，通过演奏（唱），在飞行，在飞翔。这种通感体验在华晨宇每每的吟唱里格外明晰。音乐是时间的艺术。但在他的吟唱里，时间仿佛凝定了。你感到仿佛有透明羽翅，斜斜而上，悠渺地，划出一整片空间。辽远。空阔。空间的维度向上延展，延展。随着他的吟唱，向上，向上。在一片虚空里，你看到无限灿烂。我年少时看人写到柏拉图的理念说。说是灵魂的故乡原在那个高渺的理念世界。那是一切的美之所在。而在表象世界里，我们都只是浑浑噩噩的行旅人。惟有看到美好的事物时，会恍兮惚兮，隐约回忆起故乡的影子。——他的吟唱里，好像有故乡。我躯壳里昏昧多年的灵魂，在片刻仿佛的回忆里，无限感动，无限怀缅。人在美里，看到自己的来处。

文字很艰难。感官性一不如绘画，二不如音乐。只是排列下去的象征符号，怎么办呢——歌词要表达旋律的意境，仿佛先要捕捉了旋律的影子，将这影子变得小小的，将仍带清香的松脂滴落下去，将小小的旋律影子裹起来，形成一个晶莹剔透的琥珀。旋律影子透明而玲珑，并不如有形昆虫滞碍，而是自在来去，自在游舞，像一个天地的小小景观。

六

无词歌曲，也很好的。但如保有歌词，那歌词与旋律就得相辅相成。这样才能有一个浑成的作品。曲不配词，词不配曲，都是缺憾。以前的话，曲不配词，词不配曲，我就不听嘛。我就去听古典乐了。华晨宇是第一个让我为他的作品可惜，因为歌词未能尽善尽美。这当然只是一己之见。但确觉得，他作品的歌词很大程度上限制了音乐意境的表达。或许有人会问，歌词到底多大程度上能影响音乐意境的表达。不妨看个例子吧。以下是某首大红歌曲的粤语重填版本：

“春秋是场梦，却妄想可转身

智慧要学，笑也要学，但怎样学愚笨

生于大时代，却困于小错失

刹那太薄，永远太重，谁不会太着急”

这原本是哪首歌呢？《爱情买卖》。我想，大概不必我再重复一遍原歌词，人人都可想见其对比了吧。粤语版本是周耀辉的词。新歌名叫《无限》。（但即便歌词如此，我还是没听下去。这就是曲不配词。）

文字具有表达的直接性，即文字直接指涉意思，但音乐只能间接表达。于缺乏音乐素养的听众群而言，歌词的表达会更多掩盖住音乐的表达。很多音乐人都会注意到这种麻烦。歌曲里，旋律始终最为重要，这无疑义。可如果歌词很白，过于刻露、堆砌，旋律的丰富性会被限制在歌词意思最浅层。比如旋律可能有七个层次的表达，歌词只写出了一个层次，那大多听者未必具备足够的音乐素养，会以为只有一个层次。有些类于木桶理论，容积取决于最短的那块木板。我看到有人评价华晨宇歌曲时，用到“中二”一词，很是奇怪。后来看到一些歌词口号很多，概念很多，就能明白这一印象的来由。口号，概念，都是只有一个层次，比如我孤独，我寂寞，我要如何如何。单薄的一层意思，其后没有更深的余味了，就很难动人。怎么向人说我爱你呢？在那个流传甚广的逸事里，夏目漱石说，今晚月色很美。写情绪，不能直接抛出概念，要造情境。举个例子。“抱紧你的我比国王富有，曾多么快乐/ 失去你的我比乞丐落魄，痛多么深刻”，已是较为工整的歌词了，据说灵感来自莎士比亚，以国王的富有与乞丐的落魄对比，来写爱情里的拥有与失去，有点意思。但还是过于概念化了。国王富有、乞丐落魄，也还是泛泛的，并无直观可感的细节。一如主题，一种泛泛的失去。看看林夕写拥有与失去：“你是千堆雪，我是长街/ 怕日出一到彼此瓦解”。多巧妙的比喻。你的拥有某人不过是长街暂有千堆雪。快乐里也惴惴知道，迟早留不住。日出一到，仿佛梦一样的破灭，消融。千堆雪如何能瓦解长街？但写彼此瓦解，是隐写痛苦。短短一句歌词，写已拥有而未失去，但预知失去，忧惧失去，反更珍惜拥有，但珍惜也枉然，毕竟失去是一种宿命等等等等。情绪的层次就出来了。

情绪不能概念化了，那观点呢？表达观点的话，只能听起来像口号了吧。依然看看林夕——

“每个人都是单行道上的跳蚤

每个人皈依自己的宗教

每个人都在单行道上寻找

没有人相信其实不用找”

单行道是人生的隐喻。人群庸庸碌碌，不过如跳蚤渺小。人的追逐外物，人的固执己见，看去有点可哀，又有点可笑。数句歌词是冷眼旁观人生百态，又晃荡荡地消解了意义——“没有人相信其实不用找”。林夕单凭《暗涌》已在我心里封神。但看看他情爱以外的词作，一边玩赏也还是一边懊恼：还是这样好。口号么？没有。词句还简单。观点呢？明确。涵义却丰富。更有一种旁观世事的清冷姿态，歌者的形象很容易就立体起来了。

七

以是，对比其巅峰词作，我并不觉得林夕《烟火里的尘埃》写得多好。（当然肯定是比旁人好。）但仍然章法井然。“看着飞舞的尘埃掉下来/ 没人发现它存在/ 多自由自在”，开头即造一个情景，写一个独自看烟火散落的小孩儿。他独自发呆，独自等花开，独自对影子表白。整篇歌词没用到一个孤独、寂寞或悲伤的概念，但听众很能感到他的那种孤独，与世界的疏离，好像那个独自在自己星球上看四十三次落日的小王子。结尾处，将自己比作“一场烟火散落的尘埃”，既呼应了开头看烟火的情景，又是一个形象与情绪的升华。烟火里的尘埃，又绚烂，又渺小，如此渺小，却历经绚烂，既升腾过了，却也会散落，虽然散落，却仍然记得那一种升腾与绽放的绚烂。看，这就是林夕的意象。看起来简单，却有如此丰富的层次。

歌词除了表达旋律的意境之外，还须建立起一个独特的歌者形象。设想如无林夕那些绝妙好词，王菲的歌者形象大概就不是这样了吧。歌词建立的歌者形象应当尽可能贴近歌手的个人形象，也即，符合歌手的性情、观念，使得演唱仿佛是自然而然的自我表达。比如华晨宇演唱《我》。他仿佛是用整个生命在唱这支歌。每一句歌词唱来都仿佛有无尽的隐义，那纯然是他自己的所感所知，所经所历。借用颜歌的话：“唱出的一切稍纵即逝，隐去的全部坚若磐石。”听者只窥见一点磐石的暗影，但已潸然。这就是演唱的质感。音乐的形式、技法、旋律、歌词，终究只是为了一种生命的表达。他如此独特。如此丰富。深刻。一种艺术家人格。如歌词不能表达出来，你能想象这是多么可惜的事么。有人说，比之周杰伦，他缺一个方文山。我以为是缺一个林夕。写《我》的林夕。

《烟火里的尘埃》这首词里，林夕确立的歌者形象，“心里住着一个苍老的小孩”，确实很准确地捕捉到了华晨宇的特质。（尽管浅了点。）苍老是指他旁观世事能通透，小孩则是他自己情性始终剔透。他的丰富与深刻正来自这样一种张力：一片清澈，底下却有暗流汹涌；怀抱黑洞，却仍然澄淡天真。他有一点老子所言如水如婴的意味。一种明慧的真璞。这境界如此难得——尼采的“三变论”，变狮子，变骆驼，最后也是变婴孩——他却轻轻巧巧，浑然不觉，仿佛本性如是。我猜想这样的本性只可能是音乐这种艺术滋养而成的。音乐本就如水如婴，浑成玲珑。我们不行。我们都在言语的概念里。我们每攀一个境界，都狼狈得很。

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