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你认为中国油画艺术的主流风格是什么？
油画,中国,艺术你认为中国油画艺术的主流风格是什么？
发布时间：2016-12-08加入收藏来源：互联网点击：
(二)东北地区——以“鲁美”为代表东北地区画家群以鲁美为主，早期比起其他的一些流派，东北画家群思想还是比较低调和保守的，最起码没有那么“愤青”，一直在潜心专研自己的绘画语言发展动向。直到1989年的第七届全国美展上，“鲁美人”才开始崭露头角，正式登上了中国当代油画的历史舞台。东北具象油画整体上可以归纳为质朴遒劲的整体概况，性情豪放、气质鲜明，笔法凝重，作品浑厚有力，形式感极强，以周卫、韦尔申、刘仁杰、宫立龙等为主要代表人物。
(三)浙江画派和岭南画派——现代语言和都市文化浙江画派主要包括以杭州为中心的一批中青年画家，而岭南画派主要以广州画家群为代表，二者的创作风格和理念有着一定的相通之处。艺术创作的发展和经济社会的进步有着紧密的联系。改革开放后，南方城市的飞速发展也给艺术创作带来了许多前沿思想。这两个地区的艺术家们不满足于古典主义的表达手法，更多的关注现代社会的价值体系，绘画理念和艺术视角，极大的丰富了现代新具象油画的语言。
三、中国具象油画的新走向
90后的艺术创作提到中国具象油画的发展方向，就不得不关注这一年轻的群体。在他们的成长过程中已经不再有物质的缺乏，西方文化的涌入，科技化、网络化的飞速发展，对自我、个性的看重和追求，他们身上这些新的特质为具象油画的发展又注入了新的活力。笔者从近年来的教学工作中发现，尽管90后存在着自身的问题和缺陷，但他们的绘画创作往往会表现出大胆的思维和独特的创新，这些与他们的生活状态，思维模式，情感因素都有着不可分割的联系。从他们的作品中，往往表现出下列元素和情境：
(一)孤单和压力90后的成长环境是喧闹而孤单的，外面世界的色彩纷呈与人与人之前日渐疏远的距离形成了鲜明的对比。有位哲人曾说过：“真正的艺术家都是孤单的。”这样的心境，加上成人后初尝社会的酸甜苦辣，给这些新生的画家带来了极大的情感冲击。在他们的绘画作品中，往往会表露出生活赋予的压力、焦虑和挑战。
(二)追求独特另一方面，他们对于生活又有着很高的期望和憧憬，这对他们选用的绘画语言和形象有着极大的影响。他们不满足于仅仅描绘出物体的表象，也不愿完全模仿他人的创作手法和风格，喜欢把自己喜欢的事物或理念最大限度的表现在绘画作品中。其中的一些作品尽管在构图和表现手法上还不够成熟，但这种追求创新、敢于表现的青涩却是最难能可贵的。
(三)热爱美，从作品中寻找慰藉自由而时尚的90后天生就有着一种追求美的能力。他们往往外表冷酷，但对于自己所喜爱的事物，对于生活中的美，却有着一股无法阻挡的热情。而这样的热情，他们是非常渴望与他人分享的。而画笔，就成了不善交际的90后画家们倾诉内心的工具。对未来的憧憬，对fashion的迷恋，对爱情的渴望，甚至是无边无际的幻想，成为了他们心中美的映像。这些关于过去和未来、现实和想象中交杂的元素，一旦构成了刺激，便能激发他们极大的创作灵感。从他们的绘画创作中，我们能依稀看到他们的美，可能就简单的来自童年记忆中的一朵花，书中的一段描述，影片中的一个插曲，甚至是雨中那一个模糊的背影……在他们的创作中也表现出一些不足，如受快餐文化的影响，创作过于追求外观的色彩和表现，缺乏内涵。而且在张扬个性的同时，细节的表现不足，使得作品显得浮躁。笔者在教学中也一再强调，要想创作出优秀的作品，既要有扎实的画工，也要注重心内的充实。手机和网络带来的，只能是浅尝则止的片面的信息;而对名画、名著的研读，才能真正的提升我们的意境。这些新生代的画家们所面临的挑战，其本质就是如何将经典的传统和现代的创新巧妙结，将自己的想法和具象的描绘完美融合。五、总结在当今飞速发展的大时代背景下，具象油画的发展也呈现出了多元化的势态。一方面，新的元素、思想不断冲击着艺术家的创作，为具象油画的发展提供了更多素材和空间。另一方面，科技的发展、快餐文化带来的弊端也对新生代画家的发展带来了不利的影响。一些人开始过于追求表现，追求独特，而忽视了对古典技巧和传统画法的研究，作品呈现出单一、空洞的状态。
四、小结
时代的发展必然会带来文化、价值观的冲击，但大浪淘沙，浮躁和空泛会被洗去，最终沉淀下来的一定是能够感染人们内心的，真正富有内涵的经典，而这也正是我们具象油画的创作者们所追寻的。我相信在当代中国这个广阔的大空间里，艺术家们的视野会更宽广，理念会更先进，汲取的文化素养会更充分，中国具象油画的前进之路必然会更加宽广!
回答于 2019-09-11 08:43:50
謝謝您的邀請！
您的提問沒有嚴格的界定時期，老實說，不知如何簡述。
我們知道，從事藝術創作活動的未必是知識分子，而知識分子卻必須擔負追究藝術家創作過程的心理動機或自我解讀僅具補白作用，考掘畫作呈現的人文走勢。
小民談談國人當代繪畫藝術。國人自改革開放以來經濟的迅猛發展，倍受世界的關注，這種關注同樣也吸引了人們對國人當代繪畫藝術的關注。但有個極為偏頗和錯誤的目光-即關注「意識形態」的繪畫作品上。而事實上，從上個世紀90年代，國人政治意識形態的繪畫藝術已經偏離了國人現實，真正主導的還是商業消費文化的繪畫藝術。這些作品才是觸及國人生命的根基和靈魂的藝術。
在國人當代藝術發展史上，有兩個特徵：1990年之前，人的自我是作為政治的對立面，是群眾性的呼喚性的自我，是精英式的救贖；在1990年後，自我是個體性的、內在性的，是參與性和實踐性的。前者是政治意識形態的自我的代表，後者是消費文化時代的自我。大多繪畫藝術創作呈現「先鋒派藝術」流派的風格-象徵的、抽象的，甚至是「波普藝術」式的。比如，鄧箭今的作品就有一種強烈的滯重感和扭傷的心靈的呻吟，一種在生活的重壓下的「自我」及在大文化背景下消費自我的精神潰散-《來訪者》，描繪了享受著孤獨的痛楚，突然被不明身分的訪者打破，連「獨飲孤獨」的權利也被剝奪。
不可否認，作品有停留在類似國外抽象藝術的模仿和獵奇上，但不能因此否定從主流層面探索的積極意義。再如豈夢光的作品《山海經》組畫。雖有達利式的怪誕與詭異，但在描繪農村、城市、港口或是意識形態上的符號以及歐洲古代城市與國人古代城市的「神話式」，表達的是種寓言式的歷史記憶體。它們都有某種歷史場景，都帶有特定階段的歷史符號，與「過去」有關，是把「過去」放在生命的基點上，去考問「神話」的出處和原典。認真去解讀，還是蠻有意義的～
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