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如何掌握好副旋律的写法，并运用到编曲中，使得即使副旋律很多的编曲整体听上去也会舒服，不会杂乱且不和谐？

旋律,时候,主旋律如何掌握好副旋律的写法，并运用到编曲中，使得即使副旋律很多的编曲整体听上去也会舒服，不会杂乱且不和谐？

发布时间：2020-12-06加入收藏来源：互联网点击：

所以这一条也可以换个不严谨的说法就是，当你音区和主旋律拉开了之后，你就大致上可以为所欲为了……总能解释的清楚的。

4，声像上做好分配：当你实在很想让乐器都solo起来，都活起来，比如电吉他，想要让他们能丰富的玩起来，但又怕打到主旋律的时候，最简单的办法就是，把它们放到极左极右……这样往往能解决不少的问题。

曾经我有次编个电音，某个段落为了宽度，左右各用了一个pluck，同一个音色，同样的织体，弹不一样的音，听起来没有任何不对，制作人那边也一次就过了，直到我导分轨的时候才发现，左右这两轨出现了大量的打架音（2度、小2度……）然后我纠结了5分钟要不要偷偷的改一下子……最终决定，改个毛线，整首听起来对就行了！……所以就是这样。怕打架、怕不和谐，又适合的话，就把pan大胆的拉开吧

5，尝试看看riff、pattern：

这其实蛮难的，因为作曲的时候如果没有直接想好这种东西，那么你编曲时候要去想一个适合的riff或其他乐器的pattern来不断重复，叠上主旋律还能和谐，那成功率并不高，但一旦成功了，你这个编曲往往听起来厉害很多。如果做不到音符完全一样的一直反复反复，也至少找出一个可以去套的律动，用一个一样的织体把伴奏部分进行下去，音符需要让的就让到后面去，这样比那种织体一直跟着旋律去变动的，往往要更让人能记得住，更让人能跟着动。

举个例子：re:0的OP1《redo》，前奏那个riff（66 2 222）连续来了8遍，你以为它会一直riff下去嘛？才没有，人家也不傻，知道会冲到旋律，开唱了就变成（66 6 666）然后就跟着和弦去变了ww但这个groove是一直走下来的，直到B段。

这一条大部分是适用于快歌，但慢歌其实也适合，举例：林宥嘉《说谎》前奏那个钢琴完美的成为了第一段主歌的伴奏旋律，直到电吉他出来走的还是那一条，就给人了一种延伸下来的整体感。

6，编完了，把melody轨关掉，跟着唱一唱，看会不会有哪里被带跑这个有点双刃剑，好处是可以把写的副旋律会打到主旋律的、没有起到引导作用衔接作用的全部抓出来；坏处是有可能因为你自己编曲，所以对副旋律过于熟悉，会容易思路被副旋律抓着走，导致抓出一些不必要改、本来很出彩的音。所以除了自己做这个检查，也给制作人、歌手、作曲人检查看看，会更保险。

7，预算够的，尽量用真乐器：

其实你听现在出版的有些那个录了真弦乐的歌，那个声部你抓出来听简直就是写的弱智……叠主旋律的也有，当pad铺和弦音长音的也有，但为啥就是那么好听？……因为人家录了真弦乐，演奏的都是交响乐团的精英，演奏的时候这些乐器大师会通过情绪表达、强弱变化帮你把不合理变合理，不舒服变舒服，有点类似以前张学友唱过不少作曲并不好的歌，但都能唱的好听，因为唱的能力好……虽然这件事不是万能的，但真的能加分很多很多，这个，有预算的话，弦乐、吉他、贝斯、铜管，能录就都录都录全都录，然后你会发现你的副旋律好像写的变好了（错觉一场）（但至少这个作品听起来是真的）首先编配副旋律时要做好两个重要的准备工作:

1.在编配和声的时候一定要重视。好听并且和谐，当然特殊地方特殊色彩，有的地方需要加一些离调色彩或者营造紧张的气氛，这个也是没任何问题的。音乐是为情感服务的，编配和声你要满足好听这个前提下做的任何选择都是正确的。

2.在完成了基本和声编配以后，主旋律最好是以人声为vocal，而不是用乐器代替，人声其实是最好的乐器，如果说乐器能表达音乐的节拍和音高，那人声能传递歌曲的情感色彩，做音乐这件事就需要你感性与理性结合去完成这件事，用人声去唱主旋律真的能让你在后面的编配上省很多的事情完成了以上事情后，可以开始你的副旋律编写。

副旋律可以是点状的，也可以是线状的。

点状是什么概念呢，比如吉他的solo，钢琴的加花

线状你可以理解为长线条，整块的东西，比如整个弦乐组。

之前有回答过弦乐副旋律的编写，这个就是块状的，线状的东西。贴一下之前的回答。

我自己比较喜欢从小提开始，这样就会更自由，不受下方太多的束缚，更能发挥你的想象力，所以说我觉得小提的旋律灵感是占据大部分。其实听歌听多了你会发现很多歌都有微妙的共同之处，比如说小提进副歌的时候可能会来个琶音，拉到很高的声部，然后走长音，这时候不和人声抢拍，有的歌是不走琶音，直接很高的音进入。还有一个就是最好不要让它一直走长音，在人声疏密的时候可以写的密集些，楼主都可以自己尝试一下，加一些过渡音，或者和弦内音多些节奏的变化，可能会有意想不到的效果，当然要仔细画表情。再就是还有一个原则是空拍的地方是乐器开始骚的时候。

然后就是弦乐有几种形态，有的是不断上行，有的是不断下行，有的是循环往复走两个音，怎么写好听就看个人审美了中提的话我通常给它走内声部，不会让他乱跑，前提是你的和声不能错。当然还是一句话：好听是首要的，流行的弦乐不要太受束缚，当然也不要乱写。

再个就是弦乐不是独立的，有的地方切分节奏是和各个乐器相互配合的，切分可以给你的歌曲添色，合适的时候可以用用的。比起出现什么东西(what/how)，更重要的是何时出现(when)，为什么出现(why)。在主题首次出现的时候 - 主歌1 - 你加个和弦琶音都会显得突兀，而在曲子结尾之前所有乐器都进来的时候，你随便加superimposition或者半音fill可能都没关系。

其实，在设计的时候更多是音乐概念在听感上的评估，大概在以下三个维度上做一些平衡。

Familiarity（熟悉度？）。出现过的片段比完全陌生的片段更容易被接受，并且可能会被听者归类成“一个大概念”，而非一系列不相关的音符。这样哪怕有对位甚至音阶上的冲突，听者也会相比于新旋律动机给予更多的包容。

Tension（谐和度？）。择音的谐和度决定了这个段落的听感的凸出程度。越不谐和的择音越会抓取听众的注意力，但同时不谐和的择音更容易建立倾向感。

Powerlevel（当前起伏度？）。就是之前说开头别乱加，结尾随便加。但不是所有的曲子都拥有powerlevel全部的范围还有什么风格啊，配器啊之类的因素可能会影响择音方式，但对思路影响不是很大。

有空看心情补充。

这个说难也难但其实道理也很简单，虽然我也一直还在摸索，但是我一直秉承一个简单的原则，那就是靠耳朵多听已经写出来的部分。

好的副旋律既要结合和弦音也要有9、11、13音穿插其中为人声和原有和声基底增添色彩的层次感。听起来仿佛就像要做数学题一样需要深思熟虑去计算、去搭配，实则不然，你只用靠自己的耳朵多听，去感受你在制作的这段音乐已经呈现出的效果即可。

然后就把自己的人声当作一轨乐器，尝试在已有的基础上即兴地唱出来。往往你会惊喜地发现自己能唱出律动贴合已有音乐部分且旋律音符合和声规律又增添色彩的副旋律。你可以多练习这个技巧，多尝试几次，录到满意的人声轨了再去找来你想用的乐器去替换掉唱这一旋律的人声。当然这个技巧也是需要多多练习的，它锻炼的是你依靠耳朵创作的能力。你听过那么多音乐那么多种和声，就算你没有时间一一把你听过的音乐都分析一遍，你的耳朵其实已经在潜意识里记下了这些知识，成为你的听觉记忆，那么靠着耳朵，感受律动地去创作副旋律可以冲破很多你已经知道的创作定式。

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